Les déambulations esthétiques de Sylvie Sauvageon à la galerie ICI

      « Border la terre » à la fois sans T et avec un « t » à la fois furtif et décentré, dire l’aventure et sa connaissances creusée de découvertes esthétiques, silhouettée par les empreintes des lectures et des rencontres de l’artiste. Sylvie Sauvageon romance l’expression visuelle de son art en l’émiettant de vues diversement dessinées ou peintes dans des styles scolaires, naïfs ou précis, en l’exposant par une installation où la minuscule galerie mute en cabinet de curiosités graphiques et picturales. Les murs ponctués des œuvres de l’artiste ouvrent à la fois autant de fenêtres que de rêves fugaces et prégnants à partir desquels l’imaginaire plastique s’explique par l’intelligence sensible de son inventaire ou les remontées virtuelles de ses images.

Allen Jones : « From the Gods » galerie Almine Rech

       Allen Jones pratique un art réaliste hybride et hétérogène, sa production ou sa pratique est aussi picturale que sculpturale. Ses œuvres également aussi descriptives que suggestives  drainent des apparences ironiques à partir de quoi leur thème comme leur style toujours plus allusif que littéral apparaît politiquement ou socialement aussi sarcastique qu’esthétiquement « déconnant ». Manifestement épris de cubisme et de découpage à la Matisse, et curieusement mémoriel quant à ses liens artistiques avec les pratiques d’assemblages de Rauschenberg, Allen Jones se joue de ses liens (anciens et connus) avec le pop art. Il brouille et surjoue en même temps l’essence borderline de son travail marginal jusqu’à la caricature en assumant désordonner « grossièrement » sinon exagérer l’univers esthétique de ses sources d’inspirations.

     Des impressions d’extrême mobilité créative mêlées à une tout aussi radicale ironie plastique caractérisent au passage ses œuvres d’une apparence vulgaire. Les tableaux mettent en scène des femmes objets juchées sur des tabourets, on songe aux socles de statues imaginaires voire de piédestaux de foire. Les toiles grossièrement badigeonnées dressent des environnements approximatifs, chaque femme, à la fois moulée en volume et peinte de couleurs flashy semble passer dans une rue ou appartenir à des vitrines fictives. Tout semble avoir été conçu pour qu’on se focalise à la fois sur une séquence et sur le spectacle d’un voyeur/regardeur. Le comble est atteint avec une œuvre entre environnement et installation en forme de vitrine réelle où l’hologramme d’une femme supposée revêtir une tenue de soirée sexy évolue virtuellement devant le spectateur pour se dématérialiser dans une ambiance de désir confus, de présence éphémère et de fantasme. Cet art à la fois malin et diablement scénarisé entremêle les (en)jeux visuels, où l’image se nourrit d’aperçus virtuoses autant que d’apparences imaginaires.

Pauline Bazignan galerie Praz Delavallade

       Imaginez une cascade, l’eau chutant spectaculairement devant une façade rocheuse, le monde visuel confiné dans un rideau liquide. Et l’aventure des gouttelettes miroitant la lumière en d’innombrables arcs en ciel, de nuages vaporeux, chaque coulée éclaboussant l’espace d’un pointillisme dispersé par myriade. Et aussi, l’espoir d’arriver à voir, distinguer autant que possible à travers l’air humide environnant un peu de cette façade d’un second plan qu’on distingue à l’état gazeux, mais qu’on ose supposer matériel et opaque derrière l’averse  et son rideau translucide et nuageux de Tergal. Ce monde, à la fois allusif et où rien ne ressort classé, mais dont on dirait en en faisant une peinture, semble être pour Pauline Bazignan un théâtre inspirant de sensations réelles et de visions imaginables. Elle y décèle des motifs d’étoiles et de cercles de feux d’artifices, des cosmogonies nocturnes et des images démultipliées de rêves éveillés. Partant, restituer ces opéras comme s’ils étaient des ensembles sériés et les thèmes de tableaux à concrétiser tourne aux défis, car il faut retrouver et réinterpréter des éclats de lumières et les enjeux de clairs obscurs devant des suggestions d’espaces, il faut retrouver artistiquement la mémoire de reflets et d’éclaboussures, tout un univers d’images où les visions passent par d’innombrables évocations esthétiques ; il faut en même temps échafauder plastiquement sa peinture.

       Les tableaux de différentes dimensions creusent des visions neutres et décalées. Neutres quand rien ne s’interpose entre la paroi et le voile d’eau précipitée. Décalées et personnelles quand allusivement la citation d’une œuvre mythique fait fond d’un espace et d’un temps qu’on imagine seulement personnel. Partant, le sujet « intimise » littéralement l’eau, règle son mouvement de chute, en fait plus qu’une tombée. Il se trouve qu’avant de peindre des chutes d’eau, Pauline Bazignan s’attachait à scénariser poétiquement des jaillissements d’akènes emportés dans le vent.  Il faut aujourd’hui imaginer l’artiste

        En imaginant intituler son exposition Momentum, l’artiste prête à son travail la faculté de transformer, transposer voire établir ses visions par des aperçus passagers, concevoir puis cadrer une séquence spectaculaire de sensations dans un rideau d’eau, . Elle compte sur son expérience picturale pour rappeler que la peinture pointe des enchainements créatifs et vit de mouvements poïétiques. Ses mondes flottent comme des œuvres ukiyo-e postulent que l’expression visuelle vit artistiquement au quotidien une sélection de temps de voir et de montrer.  

Les Nymphéas de Katarzina Wiezolek chez Eric Dupont

        Passons sur le propos de l’artiste intitulant son exposition « Echo », alors même qu’elle ne fait pas mystère de reprendre à son compte le thème des Nymphéas par Claude Monet. Mieux vaut évoquer son choix de focaliser son travail sur le dessin et la mise en forme de l’image plutôt que sur la peinture pure et le lyrisme dont Monet a fait son miel. Chacun ses horizons.

        Katarzina Wiezolek représente des étendues d’eau dans un esprit photo-réaliste. Ses dessins décrivent des configurations contextuelles et se concentrent sur des impressions passagères de lumière ou encore un style emporté comme l’impressionniste a pu le faire. Les formats et l’orientation des œuvres, toutes crées sur papier, sont indexés sur des projets d’images de paysages dont l’artiste dématérialise les limites et convoque des hors champs d’univers sensibles à des fins d’expression par des effets d’all over et par des focales élastiques pour le spectateur. Chaque composition s’appuie (ou teste ?) des jeux de vides et de pleins comme un montage solidarise ou questionne l’affinité de liens entre les parties d’un ensemble. Saisi par l’image supposée fidèle du paysage de l’étang presque monochrome quand il s’agit des feuilles mais polychrome avec les reflets miroités par l’eau, le regard divague entre les trouées masquées par la couverture végétale et le ciel s’y interposant. Il erre entre le graphisme linéaire d‘irisations ondulantes dessinées par le vent et les silhouettes alanguies de feuilles qui couvrent sa surface. D’une envie qu’on devine à la fois enfantine et espiègle, le regard de Katarzina Wiezolek stationne un instant sur quelque fleur de nénuphar en partie ouverte ou encore fermée et se sert de son motif pour travestir la couverture feuillue monochrome d’une touche divertissante.

        Sur les murs, les œuvres aux dimensions intimes ou éperdues d’espace détaillent en sourdine une recherche d’atelier animée non par les instants de touches particulièrement picturales comme Claude Monet a pu les tenter et les réussir, mais par la quête d’un dessin cultivé depuis ses apparences. « Echo » de Katarzina Wiezolek se veut fluide et posé, ou calme et reflété par des constructions visuelles explicites ou contradictoirement imaginaires. Chaque proposition plastique brille implicitement de montages dont l’artiste a voulu retenir, privilégier, simplement aboutir à la silhouette ou librement imaginer son aspect visuel. Katarzina Wiezolek nous fait in fine partager son savoir faire d’artiste pour des choix argumentés de temps d'attention puisés ou relâchés.

Justin Liam O’Brien : All Sunsets Risen, galerie Semiose

      Il est question d’histoire individuelle, voir d’autobiographie… Il est question de réalisme, de photographie, d’image 3D, de jeu vidéo, voire de culture numérique, plus vaguement d’icône et de style visuel historique, à tout le moins consacré par les musées…

       Justin Liam O’Brien se figure réellement dessiner, œuvrer à des tableaux inventifs et expressifs, « inspirer des autoportraits » plus intéressants que des illustrations descriptives, accomplir des œuvres originales au lieu de suggestions d’après « les maîtres ». Las, rien d’instructif ou surprenant dans ces productions aussi inexpressives que techniquement faibles et laborieuses, si ce n’est que, précisément, elles sont proprement plates.

François Rouan, « Après coup » chez Templon rue Beaubourg

        L’exposition est faite d’un ensemble d’œuvres d’esprit photographique ou Rouan poursuit ses recherches commencées il y a 40 ans sur la déconstruction du tableau, partant de l’idée qu’une image vs un tableau fonctionne comme un tressage et ne peut qu’être non descriptive voire abstraite et « littéralement illisible ». Les œuvres exposées ont été inventées en superposant et en décalant plusieurs films transparents. Les motifs en positif ou en négatif une fois entremêlés dans d’improbables configurations visuelles où aucun sujet ne saurait s’imposer, l’artiste revient sur les produits obtenus en ajoutant des grattages, des hachures, des pointillés ou des entrelacs pour (re)créer des effets de tressages ; d’autres fois il les retravaille en y tachant des zones badigeonnées de blanc ou de rose saumon.  Chaque œuvre est titrée ; Rouan, féru d’art italien du quatrocento cultive à sa manière le plaisir de l’érudition.

      La technique conceptualisée du tressage pictural reste donc, les inspirations historiques cultivées persistent aussi, la mobilité technique et tactique demeure, l’appétence pour le renouvellement formel continue… à ce détail troublant près : dans bon nombre d’œuvres le peintre a introduit, centré et isolé une forme en la séparant comme si, dorénavant et dans un retour conventionnel, il privilégiait et souhaitait valoriser son travail créatif en le faisant dépendre d’un cadre ou d’un socle…

Lady Stardust par Valérie Belin chez Nathalie Obadia

        L’érudition à la fois picturale et photographique de Valérie Belin fait à nouveau merveille dans cette série où s’entremêlent réalité apparente et fantasme de fonds de tableaux imaginaires. Lady Stardust est l’intitulé générique d’une série de huit portraits d’une mannequin chaque fois différemment vêtue et photographiée en studio devant un papier de fond. Ce dernier a été retravaillé par la suite afin de mettre le modèle en perspective avec un univers fantasmagorique. Incidemment, le mélange inventé prend en charge des regards subjectifs, à la fois contenus et exclus de l’image, à la fois contraints et détachés de sa scénarisation, détachés aussi de l’esthétique de son logogramme.

       Chaque œuvre, allusivement à l’échelle 1 du modèle photographié, dispose ainsi de la lisibilité d’univers visuels de référence à la fois ponctuels ou personnels, comme un rêveur amplifie, disperse, détourne ou réoriente son récit onirique pour inventer sans borne ses tunnels d’interprétations. Partant, qu’il s’agisse de leur apparence de couverture de magazine ou de palimpseste, ou par analogie leur appartenances au genre de la peinture de portrait, ces photographies renvoient avant tout à une recherche esthétique et créative d’autrice.

Léonardo Crémonini à l’honneur, Galerie de l’institut de France, quai Conti

        De l’art réaliste, narratif et "rien que plastique" d’un même coup, esthétiquement créatif et disruptif à souhait dans chaque œuvre, stupéfiant d’opportunisme et de mobilité techniques de son auteur passionné de dessin, de photographie et de cinéma, sensible aux récits en images et en même temps connaisseur bien avisé de l’art abstrait…

          La rareté des occasions de voir et revoir le talent artistique de Crémonini, créateur engagé et spectateur critique averti, s’estime au plus haut niveau dans cette présentation limitée mais suggestive de son œuvre lithographique.

Les « «Reconstitutions » d’Emmanuelle Castellan, galerie Valentin

         La forme des peintures éclaire immédiatement sur leur origine, en l’occurrence une narrativité filmique prolongée par des pratiques atmosphériques de croquis et de pochade.  Côté compositions, les tableaux uniques, en séries ou en suites ne cachent pas leur montage vs des collages et des rapprochements illustratifs et à tout le moins expressionnistes, double paradigme dont les modèles et le ton sont aussi ceux de textes ou de phrases visuelles. C’est évidemment intéressant à cause des transferts, des décalages et des reports de perception et de lecture, c’est émouvant à mesure qu’on « relie » et qu’on « relit » des passages allusivement filmiques où les successions d’images priorise la perception un « texte d’images ». C’est captivant à mesure de l’intérêt pictural des procédés, assemblages, de collages, de transgression et d’expressions visuelles initiées ou reconnaissables quand ils sont portés, inspirés par l’histoire de l’art et dont l’artiste cultive l’appropriation créatrice comme un travail d’alentour. C’est encore, et peut-être surtout, dans l’air du temps, celui d’une art de pictural plus affirmé dans l’illustratif que dans une exploration perspectiviste de la plasticité.

Les paysages transposés de Géraldine Guilbaud à la galerie ICI

        Des croquis de paysages enlevés et colorés réalisés en Irlande et des œuvres hybrides non figuratives entre peinture et sculpture, et toutes en matière picturale agissante comme des visions transposées par l’imagination des paysages croqués (on songe à des emportements romantiques de peintres du XIXe s). Sans en avoir l’air, chaque œuvre étend expressivement et un peu théoriquement, les murs étroits de la petite galerie jusqu’à contribuer à faire de son modeste espace intérieur disponible un vibrant théâtre in-situ, une installation allusive de Land art et un immense microcosme sensible de l’artiste aux prises avec la réalité de ses rêves. Et du coup, tout un programme personnel émerge dans une ambitieuse légèreté esthétique.

Morellet et Max Bill, dialogue rétrospectif, galerie Kamel Mennour

         Ils s’appréciaient artistiquement et amicalement. Conceptuellement, c’est moins sûr ou alors il faut nuancer sans crainte. Cette confrontation purement esthétique ravive un fond conceptuel de l’art géométrique qu’on aurait tort d’oublier« L’œuvre doit être conçue avant d’être exécutée et cette exécution doit être neutre » (Morellet, 1997). A l’opposé de celle de Max Bill dont l’art formaliste avait des airs de religion personnelle, la pratique plastique de Morellet témoigne de son sens de l’humour (littéralement) décalé et d’une ironie plastique théâtrale dont il pouvait faire son miel.

L’esthétique géométrique colorée de Bruno Rousselot chez Bernard Jordan

       « Quand la couleur est à sa richesse, la forme est à sa plénitude. Les contrastes et les rapports de tons, voilà le secret du dessin et du modelé. L'effet constitue le tableau, il l'unifie et le concentre ; c'est sur l'existence d'une tache dominante qu'il faut l'établir » (Cézanne).

       Bruno Rousselot aime citer le peintre d’Aix. Le colorisme épuré et les arrangements géométriques qui composent ses peintures/panneaux évoquent toutefois des positions plastiques délicates à concevoir par rapport au mouvement sensible de l’œuvre à peindre telle que pensée par Cézanne. « L’enchâssement des blocs colorés dans de grands rectangles »¹, et toutes choses égales, les interventions environnementales et décoratives auxquelles son style se reconnaît dénotent l’objet sensible d’un travail visuel où les deux artistes divergent. De sorte qu’aux questions pendantes de Cézanne sur l’invention constante d’un « regard personnel mobilisé et créé au contact des rapports de tons », Rousselot répond par l’invention d’un regard autre, à la fois statique, contemplatif et surtout formaliste. Sa peinture, impressionnante de présence voire de monumentalité, est aussi harmonieuse, mais elle est préétablie et retenue par sa conception anticipée même, préétablie et fondée en partant d’un schéma esthétique. Me reviennent à ce propos diverses et  multiples positions pratiques/théoriques du néo plasticisme et du Bauhaus, les sursauts personnels d’Auguste Herbin et Vasarely ou dans une autre perspective visuelle la radicalité des dispositifs spaciaux et chromatiques de Barnett Newman, voire l’approche architecturale et environnementale du regard du spectateur sur la composition colorée par Daniel Buren. On parle de raideur (peut-être) et de renouvellement (critique), de précis et de dérives dialectiques et peut-être d’imagination disruptive de l’œuvre à faire, de manque d’ironie quant à l’art de la produire et de l’accomplir. Il s’agit de naviguer entre imperfection et attentes, nourrir le travail et l’œuvre d’apparences imprévues, d’effets plastiques et non seulement d’effets de tableaux, fussent ce t’ils des métaphores de peintures murales. L’accomplissement des productions esthétiques de Rousselot aussi géométriques que chromatiques mais cependant aussi bizarrement proches d’un oxymore des deux subjectiles du mur et du tableau, me semble en retrait du point de vue fatidiquement critique et incompréhensible du tableau d’imagination.

Red runs through (le rouge traverse) vs « Comforter » (consolatrice)  ou l’art pailleté de Frances Goodman, galerie Les filles du calvaire.

       L’exposition réunit des portraits de danseuses de cabaret brodés de paillettes, des sculptures en formes de serpent (des boas ?) faites de faux ongles, des sculptures en forme de piliers augmentées d’inscriptions posées comme des affichages numériques, bref tout un ensemble d’œuvres soutenues par un discours sur la féminité et fondé sur l’utilisation de matériaux associés à la mode et au maquillage… Bref des images plates ou en volume, éclatantes, séduisantes et scintillantes de rouge brillent des usages superficiels de leurs matériaux empreints.

Damien Cabanes, « Let’s a thousand flowers Bloom » chez Eric Dupont

       « Que mille fleurs freurissent » dit un proverbe chinois… Damien Cabanes peint donc des fleurs, en bouquets, en champs, par masses. Les bouquets sont désordonnés, les fleurs paraissent amassées ou vaguement réunies en tas. Les feuillages verts dominent parfois sur les bulbes ou les pétales colorés…

       Damiens Cabanes les figure sur des toiles sans châssis, aux contours découpés un peu à l’arrache au moyen d’un cutter, chaque motif est juste posé à l’état brut et approximativement au centre des aires de toiles à peindre. Un trait de crayon décalé ou en retrait simule, rappelle, cadre ou feint un bord de tableau fictif. Les peintures directement « punaisées » sur les murs « crient » abruptement leurs motifs fleuris sans détour.

       Les peintures sont peintes comme des pochades, avec de gestes francs et directs, crûment tachés et colorés. Formes, couleurs et dessins s’emboitent et s’assemblent dans une fièvre de croquis rudimentaire à partir du « modèle vivant ».

Dans un document imprimé pour l’exposition, le peintre évoque un travail d’inspiration simplement attentif au modèle observé, lie son travail d’artiste à un besoin vital d’inspiration, parle technique… Il cite pèle-mêle Lao Tseu ou Mark Rothko, l’expressionnisme abstrait américain des années 70/80, Friedrich Hegel, Claude Monet et Cézanne… Il dit « il ne faut pas trop décrire l’objet, l’espace s’ouvre juste avant que l’intellect reconnaisse la fleur, deux trois touches suffisent et ensuite il se referme ou se rétrécit »… Les peintures tentent des liens avec des pratiques et des créateurs dont on peine parfois à suivre le fil dans l’exposition. Le fait est que la manière et le style d’image et d’objet peint dont Damien Cabanes cultive autant l’apparence plastique et le style visuel affirmé et direct interrogent en suggérant davantage une « façon personnelle » de faire qu’une perspective esthétique à distance. Entre Monet et Rothko fortement cités, le coloris marque le pas ; les teintes au lieu de passer à l’intense sont appliquées sans souci technique et leur éclat ou leur intensité se voient ternes, parfois indifférenciées. Même si les époques autant que les approches peuvent suffire à se dispenser de tenter les rapprocher, on peine encore à oser comparer les peintures de Damiens Cabanes peintures avec celles des bouquets peints par Henri Fantin Latour ou Paul Gauguin, les matières et intensités vertigineusement picturales d’Odilon Redon, Manet ou Monet. Une aporie esthétique récurrente ressort de ce travail où les traces d’une réflexion conceptuelle sur l’art de peindre butent sur un discernement ajusté des gestes et de leur traces, où le mouvement dessiné du croquis vs le peint spontané de la pochade trahit des propositions visuelles inaudibles sur l’art de « bien mal peindre », de s’appuyer sur l’art subtil de la « sprezzatura » (je songe autant aux  gestes improvisés de Rothko ou Bram van Velde qu’aux enroulements conceptuels de Cézanne méditant sur la tenue de l’œuvre à produire. Tous me semblent avoir été accaparés par le besoin de transformer par délégation leurs emportements ou leurs « essais » esthétiques en autant de puissances instauratrices et souvent malicieuses d’articité.)

        Cabanes aime peindre et dessiner en même temps, poser ses motifs tout en brouillant leurs vues, « calculer » une composition picturale et en même temps lui opposer son support et l’idée qu’il est l’objet d’un tableau. De ces points de vues, c’est un artiste conceptuel et dans cette perspective, son travail énumère des tactiques davantage que des techniques. C’est encore pour cette raison, peut-être plus intuitive que préconçue, que, dans l’exposition, qu’il s’agisse de bouquets de fleurs, de portraits ou d’animaux, de silhouettes ou d’apparences humaines, d’amas de feuilles ponctuées de quelques fleurs, toutes les peintures se rejoignent et font œuvre. C’est sans doute pour tout cela que la taille parfois monumentale des peintures, l’échelle murale des images et le hiératisme assumé de leur simplification formelle interpelle et suppose que l’artiste creuse davantage les caractéristiques de son entreprise plus loin que le plaisir naturel de peindre « des fleurs fraîches ». Ainsi vont ses remarques, s’étonnant d’emboiter éléments floraux au lieu de simplement les figurer, c’est encore peut-être pour cela qu’il tient à replacer son travail de peintre sur un fil créatif le long duquel il a multiplié les disciplines artistiques en concentrant in fine son attention devant l’œuvre en train confrontée à son apparence. Ne reste semble t’il la plupart du temps que des vues allusivement ponctuelles et passagères, fragiles et incertaines; des objets artistiques hybrides où toute tentative de récit, de résumé des intentions et de l’histoire achoppe sur des aventures multiples, inclassables et personnelles, hors du temps et sans approfondissement, parce qu’exclusivement dans la vie artistique de leur inventeur…

Daniel Dezeuze galerie Templon rue du Grenier Saint-Lazarre

        Pas moins de quatre mini expositions distinctes sous le titre approximatif «  Mesoamérica, Cités perdues et Derniers Refuges » sont regroupées en une.

          Fini les propositions théoriques et plastiques militantes initiées depuis le groupe Support Surfaces dont l’artiste fut un des fondateurs, et dont depuis peu encore, son travail éthique et philosophique semblait devoir durement incarner l’orientation méthodologique et matérialiste. L’ensemble des œuvres présentées avec «  Mesoamérica, Cités perdues et Derniers Refuges » confirme donc un retour à l’illustration et l’évocation figurative amorcé dans de précédentes expositions. Les réalisations en relief ou sur papier sont parfaitement établies dans leurs références et leur conception : des sortes de bas reliefs fabriqués de bout de bois ramassés puis rehaussés de couleurs suggèrent des paysages, une armurerie fantasque de pistolets bricolés avec des objets de récupération rappelle sans convaincre l’imagination débordante des fusils d’André Robillard ; des dessins d’arthropodes ou d’insectes et de fleurs font songer à des recherches graphiques de Louise Bourgeois ou Cy Twomly.

Amy Bravo, « I’m going with you » galerie Sémiose

      De vastes constructions de dessins et de peintures figuratives sur toile sans châssis forment des silhouettes de tableaux ou d’œuvres murales dont le statut plane entre improvisation ou reconstitution mémorielle et autobiographique.

Le style visuel général puise autant dans l’art populaire que les rapprochements dadaïstes, l‘art pariétal et la fresque, on a parfois aussi le sentiment de lire les cases librement pavées d’une bande dessinée virtuelle. L’impression d’un storytelling conté d’œuvre en œuvre infuse, laisse apparaître une artiste parcourue de souvenirs personnels et familiaux, une enfant habitée par le désir de se projeter en peuplant ses images de figures tutélaires, des réminiscences de quelques terres d’origines, voire de résurgences de chroniques familiales.

       Pour parvenir à constituer ses visions en œuvres d’art, l’artiste s’appuie sur un espace à la fois réduit au plan mural et à des effets de chevauchements dans les compositions. La ligne claire qui résume graphiquement les silhouettes leur donne une aura de représentations imaginaires, des ajouts d’objets mettent en perspective des horizons symboliques. Des lignages mythologiques se constituent  en rhizomes, les assemblages simultanément oniriques renvoient à des galeries d’images parcourues de textes fantasmatiques. C’est très beaux, très énigmatique tant c’est culturellement littéraire presqu’avant d’être plastique et majoritairement visuel.

Les séquences glacées d’Atul Dodiya à la galerie Templon, rue Beaubourg

       « I know you. I do. O’ stranger » (Je te connais. Je fais. O étranger !), est l’intitulé de cette exposition qui semble ne s’adresser qu’au spectateur mais qui en réalité le met en marge par rapport ce qui est montré. Les peintures presque hyperréalistes font directement références au cinéma indien et se présentent à la fois comme des images uniques et des séquences glacées de story-board. Le silence, l’attente ou l’arrêt méditatif accompagnent les vues comme un arrêt sur image (im)mobilise l’attention sur ses moindres détails : composition et d’angle de vue, lumière et d’ombre, reflets et effets de monstration…

        A l’opposé, les manières qu’a Atul Dodiya d’aborder l’identique suggèrent que son travail pictural prime sur toute considération photographique. L’aspect accentué des réalités mises en avant par ce qui est peint à partir de ses « nouvelles » images modifiées par la peinture fonctionne comme si l’artiste cherchait à « défalsifier » leur apparence de trompe l’œil hyperréaliste pour défier ironiquement l’« étrange étrangeté »¹ du genre. Les cadrages et les angles de vues accentués, toutes ses manières de déplacer, transformer, sublimer, souligner ou opposer artistiquement les statuts cinématographiques et photographiques des images an faveur de leur reprise à travers des points de vues aspectuels interpellent leur thème en les faisant passer potentiellement pour des éléments d’un film de spectateur. Partant, plus rien ne semble objectif ou réel, cinématographique et en même temps photographique, il n’y a plus d’aura que le subterfuge d’une présence filmique devenue fictive. Chaque tableau à priori initialement documentaire se creuse d’une vision subjective voire participative et virtuellement fantasmatique ou purement onirique et par conséquent immatérielle… Quelque chose de ces œuvres fascine sans qu’on sache si leur hyperréalisme percuté ou déplacé par les biais picturaux de l’artiste en est le moteur.

Gérard Traquandi tout à ses sources artistiques Galerie Catherine Putman

      Le ton est donné avec une citation de Pierre Bonnard : « Il ne s’agit pas de peindre la vie, il s’agit de rendre vivante la peinture ». On comprend que l’artiste veut rendre sensible ce qu’il entend par plaisir de dessiner et peindre. Les sujets comme les thèmes des œuvres exposées sont multiples, inspirés par la nature ou retenus de visites dans des musées, justifiés par l’étude et entrepris sur la foi d’une question plastique à creuser ou révéler artistiquement.

      Qu’elle soit technique ou plastique, la créativité visuelle du peintre s’affiche historiquement et d’un point de vue esthétique. Ça tient du croquis et de la pochade aquarellée ou matiériste, d’un fil de trait jusqu’à un geste calligraphique au lavis. C’est abstrait et évocateur ou allusif et expressif, parfois des taches sont rassemblées pour décrire un motif, ailleurs c’est simplement une joute de teintes et de surfaces qui annoncent un regard.

       Un pan de mur réunit un assemblage de notes visuelles parfois minuscules, on distingue des scènes de personnages et des paysages divers, parfois empruntés à des tableaux, certains sont multicolores et s’organisent dans une abstraction de mémoire, d’autres sont des visions peintes à l’encre de chine et suggèrent des corps. Sur le mur du fond d’une seconde pièce, deux dessins silhouettent des jambes et portent l’intelligence plastique de l’expression graphique à son acmé…

L’art du paysage par Martin Bruneau à la galerie Isabelle Gounod

        « Parti dans un premier temps sur l’idée de suivre les traces de Gustave Courbet… » écrit le peintre qui évoque l’idée de recréer une sensation d’absorption. Il ajoute que « c’est par l’incohérence de la matière de la peinture et par le chaos de sa matérialité qu’il espère happer le spectateur ».

       On préfère sans difficulté l’étendue de la culture artistique et le sens contradictoi-rement aigu et chaotique de la matière picturale de Courbet dans l’art du tableau de paysage…

Les subterfuges de l’apparence peinte par Luc Veniat chez Valérie Delaunay

          Luc Veniat produit des trompe-l’œil bizarres. Il reproduit des vues d’objets insignifiants d’une manière picturale apparemment aveugle à la matière picturale, il disperse des effets visuels dans des émiettements de reflets lumineux, il éparpille des semblants d’attention à des détails et à leurs formes analogiques dans des reproductions banales. Alors qu’on ne devrait être saisis que par son métier technique pour apparenter l’étrangeté de ses images avec l’exactidude peinte, il faut à l’inverse s’interroger sur les perspectives de leur référencement même. Que vise donc l’artiste en figurant (et en se figurant) traiter non pas les sujets qu’il est sensé représenter objectivement mais dans tous les sens, d’impossibles réalités mêmes ?

          Luc Veniat s’inspire des enveloppes plastiques qui font les emballages des boîtes de conserves, des bâches du même plastique qu’on nappe ou qu’on recouvre ou qui servent à protéger temporairement des objets. Il y trouve en quoi la lumière disséminée dans les reliefs de ses replis mobilise des images en apparence éparpillées elles aussi. Les éclats lumineux et les reflets qui déstructurent leurs formes accrochent l’intérêt de son regard, le construit en visions et en interprétations débridées. Leur silhouette imprévue à travers une image rapprochée en gros plan, leurs dimensions ou leur échelle qu’il transgresse dans des cadrages abstractifs et des détails fictifs pour le spectateur servent encore d’attraits pour des portraits allusifs ou des compositions spectaculaires. Alors que les peintures jurent par leur hyperréalisme et que les vues semblent se banaliser dans des reproductions littérales, le peintre semble vouloir ouvrir des perspectives et créer des contacts aussi voilés qu’ignorants avec l’imaginaire de mondes inconnus qui nous entourent, dont le peintre est témoin et auquel le tableau doit nous confronter de façon subreptice.

Sostène Baran « Par désirs, par hasard » chez Galerie C

           Curieux de croiser un ensemble d’œuvres aussi datées que celles du surréalisme au moment du premier manifeste. S’il est déplacé d’y voir une créativité seulement désuète, il est aussi risqué de limiter les œuvres présentées à un manque d’imagination, voire des beautés dépassées ou moribondes. On ne peut en ce sens que se réjouir de l’imagination plastique et esthétique que Sostène Baran met au service de ses propositions en deux et parfois trois dimensions ou de leurs montages aux échos de micro séquences. Reste évidemment à dépasser un courant d’expression héroïque pour atteindre des horizons plastiques plus inconnus et plus inattendus qu’empruntés.

Olivier Mosset, revue d’une pratique iconique Galerie Les filles du calvaire rue Chapon

           La radicalité esthétique et formelle de Mosset telle qu’en elle-même depuis BMPT à la biennale de Paris en 1967… Mosset étend aujourd’hui son intégrisme esthétique à des productions de même aspect et dont la caractéristique principale est d’être vastes. A défaut de paraître vieillissante, sa pratique du monochrome aussi atemporelle que sa conception théorique du tableau voire du travail pictural et artistique continue de croire déborder les conventions de la sensibilité artistique, et, à tout le moins, de démontrer qu’elle reste innovante. 1967 continue…

Les montages syncrétiques de Camille Fischer à la galerie Maïa Muller

         L’exposition s’intitule « Oh Violette, ou la politesse des végétaux » et se présente comme un amalgame et des fusions de dessins, de compostions peintes, de matières et d’objets divers. Elle est aussi faite de vastes mélanges de tentures, d’œuvres sur papier, d’une installation configurant au sol une sorte de socle aménagé de livres, encore de peintures et toujours encore d’assemblages. Comme pour toute création syncrétique, le regard s’attache à ce qui lui est donné de regarder, se borne à relever des faits, cherche à discerner des liens, tente d’élucider les objectifs de l’artiste, et, in fine, oublie de profiter simplement de l’esthétique d’une scénarisation que son mystère théâtral emporte et détache du réel.

           Mais les motifs de fleurs dominent, interprétés comme s’ils divaguaient dans l’eau, comme des saules tombant au-dessus d’un lac ou comme des feux d’artifices en parapluies d’étincelles perlant dans une nuit de fête. L’artiste les multiplie et les répète aussi comme des patern de papiers peints imaginaires habillent décorativement des intérieurs intimes. Tout se mêle et tout s’emballe, la galerie mute en cabinet de curiosité, peut-être en antre…

            L’ensemble offre encore une vue de forêt onirique où la nature ignore ses repaires jusqu’à y perdre le fond qui permet de discerner entre ses sens. Sa vaste canopée de branchages retombant mollement à la verticale, le spectacle revient à discuter de ce que la nuit rend aux restes de ses rêves. Il y a aussi des portraits dessinés comme des œuvres essayées d’art brut, des visages arborés de dessins et de tatouages imaginaires et de joailleries enfantines de fête ou encore pour des rituels inconnus. Dans chaque dessin et dans chaque peinture, Camille Fischer confond ou bien hybride entre eux les codes plastiques et graphiques, l’espéré et le vu, genre et « dégenre » les apparences visuelles. Des ajouts multiples de colliers de perles aux colorations iridescentes complètent partout ce qui semble essaimé, des amarres pour des croisières et des accostages à la lettre extra ordinaires attendent d’être ouvertes ; l’exposition se transforme en opéra de visions, on songe à Gustave Moreau, à Jean Dubuffet. L’art de Camille Fischer demande à évoluer partout comme un rêve de voyage éveille les sens dès ses premiers transports.

Post-Esquisse à L’avant Galerie Vossen. Ou, Ronan Barrot vs Robbie Barrat aux risques de la (re) création picturale…

         « ”depuis une première expérience en 2019…Robbie Barrat, artiste digital a appris sur la peinture et Ronan Barrot a rencontré “la machine”».¹ La question intrusive de l’IA est évidemment dans l’air du temps. La création en train de se faire ou ses mouvements d’instauration depuis l’esquisse tentent de creuser le sens de leurs frottements avec, dans le plus parfait désordre, la nouveauté, les débuts de l’œuvre, la composition plastique et dans une perspective définitivement imaginaire et spéculative, l’invention au contact de l’IA.

On précise par ailleurs : « Robbie utilise l’IA comme outil de recherche et Ronan peint ».² Post-esquisse : « Le post-esquisse pouvant devenir peinture…et « la machine explore les fertilités de l’ordinateur à la faveur de nouvelles esquisses ». Le projet et dans sa perspective l’exposition filent donc l’aventure : « la continuité de rapports contigüs entre mécanisme d’intelligence artificielle et peinture »³…

Demeurent les réponses créatives, à savoir leur intérêt plastique et leur intelligence (dans le sens d’un discernement critique/créatif) sinon la beauté des propositions esthétiques pour le spectateur, étant entendu que : « Ni Barrot ni Barrat ne cherchent à créer des imitations  ou des pastiches. Personne ne fait des faux.

         Pour créer, personne ne doit faire défaut.» ⁴ (On peut toutefois s’amuser de la proximité des deux patronymes qu’une unique lettre et l’écart formel de leur prononciation — voire « un “bruit” de nature processuelle » — les différencient en présumant entre eux une porosité et une séparation étanche aussi réelles qu’imaginaires).

           Résumé : « Des crânes qui auraient pu être peints par Ronan Barrot, dont 450 « Crânes » ont été versés à la base de données d’un programme de “deep Learning” afin d’apprendre à la machine à produire à l’infini de nouvelles images inédites. Barrat crée ainsi des œuvres jamais imaginées par Barrot. La mémoire visuelle d’un algorithme peut ainsi accoucher d’images que personne n’a jamais vues, au même titre que celles produites par l’artiste. Se pose alors la question de leur statut : peuvent-elles être considérées comme des oeuvres d’art à part entière ? Sont-elles des inspirations possibles pour l’artiste ? Un algorithme est-il capable de créativité ?⁵

         Dans l’exposition le constat est là : on voit des résultats de ces recherches et expériences sans différences notables entre les originaux et les “re-productions algorithmées”. Peintures sur toiles ou encore peintures « imprimées », tout est exposable de la même façon, toutes se valent et sont incarnées avec la même efficacité esthétique : il n’y a pas d’opposition ou de différence objective d’intérêt sinon de beauté entre elles. On subodore sans ironie que Barrat ou Barrot pourrait n’être qu’un seul et même personnage, et tant mieux si d’une certaine façon, Barrot le peintre parvient à convaincre qu’il pourrait lui-même signer les œuvres de Barrat le processeur. Mais précisément, qu’en est-il des limites et possibilités qu’il(s) entend rejeter hors de son champ personnel? De Barrot à Barrat, on fait « Oh ! » ou « Ah ! » ? Le doute de Noam Chomsky — par ailleurs mêlé de convictions­ à la fois éthiques et historiques — selon lesquelles et pour l’essentiel dans l’art, l’IA sert des parodies ou bien utilise le plagiat pour satisfaire des rentabilités commerciales, prend du galon.

1– Hugo de Plessix, Le proto atelier ou l’antre des post-esquisses, à propos de l’exposition Ronan Barrot à L’Avant Galerie Vossen. 2– ibid, 3– ibid, 4– ibid, 5– ibid.

La « peinture historique contemporaine » de Jean-Baptiste Boyer à la galerie RX

            L’exposition regroupe des peintures figuratives sur toile autour du thème « Un amour perdu » (il s’agit de son chien, nous apprend une interview du peintre). Un argumentaire de la galerie évoque un travail de peinture historique contemporaine sans qu’on comprenne vraiment le sens approximativement oxymorique de l’expression. Il est aussi dit que l’artiste vénère Delacroix et la peinture romantique, et également Goya… On peut donc légitimement regretter leurs connaissances du dessin et de la couleur autant que leurs talents de créateurs !

« Seer and Seen » chez Galerie Praz Delavallade ou Maud Maris sans vision

        Maud Maris est connue pour inventer et réaliser en peinture des natures mortes, des architectures ou des mises en scène complexes d’objets divers préalablement photographiés. De mystérieuses luminosités et autant de colorations aux teintes de faïences et théâtralisées embrument chaque ordonnancement en pointant des silhouettes de songes. Partant de ces dramaturgies oniriques, optiques et atmosphériques, l’artiste a développé des œuvres picturales intenses, spatialement complexes et finement exposées à des matières picturales sensibles et délicates. On devine l’artiste attirée par diverses questions de visions stylées ou temporelles, d’images et de contes réunis ; attirée encore par l’évanescence de mondes légers, des compositions plastiques savantes imprégnées d’apesanteur et d’onirisme, marquées d’une vraie de formule conceptuelle.

     Le fond et la forme de l’exposition intitulée Seer and seen  (voyant et vu) interrogent. Délaissant les apparences mystérieuses qui la préoccupaient, l’artiste interprète aujourd’hui des images approximatives d’animaux dans des décors d’illustration. On peine à concevoir les suggestions d’approches techniques ou plastiques derrière les mises en scènes et les représentations stylisées d’animaux, les apparences de paysages, les atmosphères ou l’expression des compositions plus littéraires que visuelles : tout n’est qu’images plates et miniatures décoratives. Le travail pictural dépourvu de subjectivité paraît s’effilocher en devenant évanescent, rien ne surprend ou ne dérange particulièrement. Peut-être ne s’agit-il que d’une évolution stylistique personnelle de l’artiste, la redéfinition d’un langage esthétique en autonome ? Présumées faire partie de l’exposition, trois minuscules œuvres sur toile sans châssis surprenantes d’amateurisme plastique déroutent…

Jean-Michel Alberola : Les Rois de rien et les années 1965-66-67 chez Templon rue du Grenier Saint-Lazare

        L’exposition se déploie dans la galerie entre sous-sol et niveau rue dans une atmosphère de rétrospective. La partie « sous jacente » (des œuvres sur papier en réalité récentes) est réservée aux passions et aux engagements artistiques et politiques d’Alberola. Elle regroupe des œuvres essentiellement textuelles chroniquées à partir d’actualités générales et culturelles particulières aux années 1965-66-67, ces trois années annonçant par ailleurs les bouleversements de l’année suivante et leurs suites historiques. Dispositif de collages mémoriels et sensibilité de l’artiste ont l’aspect de montages épars faits de notes et d’extraits de presse, de citations brutes d’auteurs réputés peu conservateurs : toute une enquête contre l’amnésie de l’histoire. De multiples ajouts et interventions esthétiques : marques de gestes spontanés, dispersions d’empreintes et de traces colorées sensibles supposées, (re)faire partie des moments cités ponctuent les compositions qui, du coup, s’affichent aussi picturales que scripturales et graphiques.

        Au dessus, niveau rue, sont regroupées des peintures murales ou sur toiles de dimensions variées et sur des sujets également divers. Les œuvres, cependant peintes pour l’essentiel sur le thème « Les Rois de rien » guident l’ensemble et servent de prétexte aux œuvres pentes sur les murs. Qu’on les considère ensemble ou séparément, leur pertinence esthétique et humoristique associée à la palette technique d’Alberola impressionnent par leur suggestivité. D’œuvres en œuvres, les formes déployant une acticité en apparence fragmentée de concepts d’expressions plastiques et de vagabondages poétiques entremêlent de multiples reflets. Des inscriptions rappellent un musicien, conceptualisent et ironisent sur la dénomination d’une surface flottant dans un entre deux simultanément non figuratif et descriptif, peu détaillé, un visage flouté oscille entre présence filigranée et aperçu. Partout, Jean Michel Alberola déconstruit à l’infini les plans et leurs découpes, brouille les repères entre intérieur et extérieur, bords et marges, net et flou. Il cultive la polysémie des zones entre surface et partie, cadre et non cadre, focales affirmées et déconcentration visuelle, silhouette et portrait…

       Le coloris aussi ponctuel qu’élargi aux contrastes simultanés et aux nuances, n’est pas en reste. Alberola semble avoir une attirance pour l’esthétique de la fresque. Ses peintures dont l’éclat des teintes est régulièrement un peu rabattu ont l’air travaillées comme si, chaque subjectile avait été apparenté à un mur enduit et les peintures étudiées pour être peintes « a fresco ». Peinture d’atelier et pratique artistique à la fois autarcique et « urbaine », poreuse de tous les reflets d’actualité et personnel, les « Roi de rien » miroitent des identités complexes, mouvantes entre apparition et de transfiguration. Et c’est en s’étonnant qu’on remarque que les sujets comme les compositions oscillent entre croquis et découpe, que leur mise en vue et en image s’estompe, que ses héros sont affublés d’attributs et de distinctions ironiques. C’est de manière concertée que chacune file plastiquement une construction à la fois informelle et parcourue d’apparences, que subrepticement pour le spectateur, ça se rassemble dans une effigie. Alberola imbibe ses « Rois de rien » d’un triple monde inconsistant, extérieur et intérieur, il les expose aux porosités de cultures avec et sans histoire, avec plus ou moins d’images évanescentes ou terriennes. Les  tableaux, témoins incarnés de l’« In » et de l’« Out » muralisent esthétiquement de multiples visions associées.

      Alors les peintures murales virent aux « tags »*, au « graph» voire au « burn »** spectaculaire ou allusivement politique. L’actualité mine la peinture d’Alberola aussi grand lecteur qu’observateur acéré. A leur contact, il entremêle les codes et les effets esthétiques dans  tous les sens. L’intitulé de la peinture murale « La sortie est à l’intérieur » qui accueille le visiteur, superpose faits et plans, découpe et dissémine les éléments d’une case de bande dessinée imaginaire (a-t-elle été empruntée à Hergé ou à Edgar P. Jacobs)… Le peintre ironise sur l’image déconstruite de sa peinture, l’éparpillement illusoire de son récit, il suggère de réfléchir poétiquement au désordre imaginaire de la forme peinte : les mouvements inversés, sinon les reflets et le sens de l’image depuis son moment d’apparition. L’image, habilement scénarisée, se lit sur le mur comme un livre émietté, clame un instant et livre une manière d’être exposée au regard et à la lecture, on songe aux romans-photos jadis détournés par Guy Debord dans l’urgence situationniste. L’injonction « La sortie est à l’intérieur » que le peintre emprunte allusivement à Guy Debord fait écho à ce dont, en sous-sol, un tableau sur papier anticipait l’urgence d’une idée phare. L’apparence narrative et l’esthétique urbaine de la fresque se confondent avec la surface du mur en même temps que le pictural s’emmêle du tout.

       L’aventure artistique de l’instauration du tableau et le besoin de consacrer la plasticité de la peinture, la volonté de redonner du sens à l’image peinte par une attention subjective et focale du monde sont orchestrées ensemble. Alberola ne peint pas seulement en temps que peintre figuratif, il « abstractise », superpose et conceptualise les apparences dont le tableau a besoin dans l’ordre qui lui convient. De sorte que, d’une œuvre à l’autre, on se réjouit de songer à l’inattendu de propositions esthétiques et questionnantes.

* Street art et graffiti, fresques urbaines. Le « tag » (graffiti) consiste à apposer une signature sur un mur à l’aide d’une bombe de peinture ou un feutre. ** Le graph étend l’idée du tag à une scène ou un motif peint. *** Le « burn » élargit esthétiquement le principe du graph l’idée d’une fresque murale exécutée à la bombe.

Claude Viallat chez Templon rue Beaubourg

    Les tableaux faits de toiles immenses sans châssis déploient leurs compositions colorées sur les murs. On voit de prime abord des tentures ou des mosaïques. On distingue des assemblages et des combinaisons en dallages irréguliers de formes diversement réparties sur des fonds incertains. Chaque œuvre mélange ou décline une picturalité à la fois sectorielle et environnementale, disposant à égalité un dispositif mural d’œuvre in situ et un dispositif aux échos de happening. Le regard capte et suit les gestes du dessin de l’artiste constamment en mouvement en même temps que l’œil apprécie chaque situation comme si elle passait de l’apparition à la démonstration. Les « haricots » du peintre révélés à l’insu de leurs images/signes devenus poétiques à force de passer dans les tableaux, silhouettent des présences tantôt mentales et tantôt abstraites, quelque fois, seulement esthétiques et bizarrement incarnées visuellement. La peinture de Viallat vit de détachements, d’abandons et de recours, d’impressions fugaces et provisoires, sans ad-venir en étant libres de paraître, comme Viallat agit pour surprendre.

    L’imagination picturale se renouvelle et se déride à travers le pragmatisme de l’art d’inventer une production. Avec Claude Viallat, la démarche conceptuelle, par définition à distance, s’enjoue d’évoluer et s’arrimer dans des aventures plastiques et esthétiques chaque fois inédites. Claude Viallat s’active depuis longtemps dans un vagabondage aussi joyeusement bordélique que paradigmatiquement créatif. Le peintre appelé à saisir que chaque nouvelle œuvre est une occasion de faire jouer tous les éléments plastiques entre eux, multiple les opportunités picturales. Bref, que ce soit de depuis Nîmes ou depuis Paris, on se régale du souffle d’un artiste jamais à bout de reformuler son travail et d’agir pour surprendre. Et s’en régaler !

Gilles Aillaud, « Animal politique », au Centre Pompidou

     Engagé par la Figuration Narrative*, ou simplement peintre figuratif, voire peintre philosophe et moral selon le centre Pompidou qui estime sa peinture à l’aune d’un projet conceptuel. Pas besoin d’être loin de l’art et de la peinture pour remarquer dans ses tableaux que le sujet flotte constamment, non pas indécis, mais indéfini, et en même temps de maniére paradoxale, résolument mimétique. Ce qui est montré avec les analogies formelles embarque et met en perspective des constructions visuelles que leur scénarisation plastique et l’autonomie artistique du peintre interrogent. Contre toute attente, et particulièrement celle du temps et de la technique employée, le geste pictural partout « suffisant » et la place laissée par l’artiste à l’apparence creusent l’inaboutissement tactique d’une recherche délibérée autour de l’œuvre progressant pendant son instauration. En me montrant dans son atelier de Malakoff un grand tableau à la fois en cours et au repos (ou en jachère, voire à certains endroits seulement esquissé et succinctement « pochadé », bref une représentation davantage sommaire plutôt que travaillée « à l’aperçu »), je l’entends encore me dire : « Ça suffit, c’est inutile d’en faire plus, c’est assez ». Je me le rappelle conclure, à la fois perplexe et attentif par rapport au tableau en cours, que peindre pouvait n’être pour l’œuvre qu’un temps d’usage, relativement à ce qu’elle « tient ». Et de fait, dans l’exposition, des seuls points de vue simultanés du geste et de sa démonstration, les tableaux brossés comme les dessins esquissés de son encyclopédie animalière déroutent par leurs « imperfections académiques ». Les œuvres présentent des cadrages plus ou moins photographiques ou arbitrairement « ratés » : les silhouettes des animaux apparaissent autant partielles qu’approximatives, comme de larges paysages à la fois documentés et approximatifs. « Sans s’en faire », l’artiste semble délaisser l’état de ses d’œuvres ou ironiser sur son travail. Alors l’admiration s’oppose à la place de l’Ecole, du sujet dont on interroge l’origine : on retient que Gilles Aillaud peint à partir de lui-même et de sa « nature animalière » dans le monde qui l’environne, qui le met à vue et dont il semble vouloir redéfinir les rôles. Gilles Aillaud capte des moments pendant lesquels sa vie particulière d’artiste le distingue philosophiquement du commun animalier qui lui suggère de décrire le monde qui nous contraint.

* Gérald Gassiot-Talabot, « La Figuration narrative, édition Le Cercle d'Art, Chambon, 2003 »

« Van Gogh à Auvers-sur-Oise, les dernières toiles », au Musée d’Orsay

     Le dernier souffle, sinon le dernier cri d’un artiste au bout du risque de sa vie. Van Gogh et quelques dizaines de peintures et de dessins, tous réalisées en deux mois, juste le temps d’hurler la passion dans l’urgence de peindre, de soutenir parallèlement que son art est sans contradiction aussi médité qu’organisé plastiquement. Tout du geste et des emportements connus de l’artiste sont rappelés et concentrés dans ses propres mots*, qui disent que son travail artistique et conceptuel s’articule sur un fond d’ « enchevêtrement » des formes dans la peinture. Partant, on « ré-enracine » les disséminations et les mouvements à la fois terriens et célestes de la touche du peintre, l’éparpillement organisé de ses gestes qui emmêlent les compositions et les effets de matière nerveusement picturale à travers lesquels il reprend les motifs sans discontinuer en les dessinant les uns par rapport aux autres.

     Les tout derniers paysages, et son œuvre ultime particulièrement, tous préemptés dans des toiles au format double carré, s’imposent comme des apparences instaurées d’art de peindre où le tableau fait simultanément surface et lieu, espace et moment, sujet du peintre œuvrant et image de ce qu’il formule et espère rendre sensible. De là revient l’écheveau des questions dont Van Gogh a édifié l’insondable mystère : questions qui creusent dans chaque tableau la mise en abîme de son dessin toujours appuyé de couleur. Et par lequel on ne voit que des apparences bouleversées par un peintre épris de peindre juste.

* « J’ose t’engager à croire que dans le paysage on continuera à chercher à masser les choses par le moyen d’un dessin qui cherche à exprimer l’enchevêtrement des masses… ». Van Gogh, propos sur Delacroix vs Lutte de Jacob avec l’ange, Ecrits et correspondance.

Rue du Pont de Lodi : Daniel Buren chez Kamel Mennour ou l’inverse…

      Buren fait du Buren, évidemment. Sauf qu’une fois de plus, une fois encore, il se réinvente en repiquant le canevas de l’« in situ situé »¹ qui le guide et lui sert depuis cinquante ans à varier « ses coups de dés »² Cette nouvelle exposition  présente donc une nouvelle stratégie d’apparition et d’application du paradigme : Buren évidemment, mais de manière inattendue.

      Pour « Plis contre plan, Hauts reliefs, Travaux situés »¹, à la galerie Kamel Mennour, Daniel Buren a réimaginé les bandes uniformément colorées qui apparentent le signe plastique de son travail comme un logo. Ce nouveau travail s’enhardit d’effets simultanés d’environnements et de reflets disposés en miroir, de motifs muraux composés d’objets pyramidaux « posés sur la tête »³ et d’ironiques variations esthétiques des uns par rapport aux autres. Finement muée en palais des glaces, la succession des murs de la galerie file ou égraine ainsi de bas et de hauts reliefs pyramidaux sur lesquels l’artiste a disposé ses bandes diversement colorées pour qu’elles se reproduisent et mirent en abîme leur propre dispositif fictionnel d’une œuvre à l’autre.

     Auto-propulsé par son mécanisme à la fois purement formel et totalement théâtralisée à partir des déviances disruptives de son créateur-propagandiste de son travail, l’installation bruisse comme toujours d’une réflexion sur l’intellection plastique et instauratrice de son emprise environnementale par rapport à La Peinture et, d’une perspective plus large, par rapport à l’Art. A l’instar du peintre Sol le Witt qu’il admire par ailleurs, je note que l’abstraction conceptuelle de Buren passe à une forme de réalisme grâce à son effet revendiqué d’étendard auctorial. Reste qu’à tout le moins, dans la galerie et à travers l’exposition présente, l’artiste creuse le paradoxe d’une esthétique et d’un art hyper personnalisés, creuse le sens chaque fois imaginaire et variable « d’un pareil au même » d’apparence et qu’il suggère in fine la possibilité qu’une réinvention permanente du regard et d’une œuvre dans un mouvement poïétique concerté. 

      A la fois porté par une irrépressible envie de jouer et d’ironiser sur le statut du spectateur et le besoin personnel d’assumer une production aussi ouvrière que sensible, l’artiste engage conjointement la conception et la production matérielle de son œuvre dans des vagabondages et des chemins imprévus. Pendant tout le temps de la recherche apparente du travail d’art « à situer », la galerie apparaît comme une zone de contacts et un environnement ou tel un White Cube informel tout peut sembler aussi esquissé que « préparable ». L’installation de « Plis contre plan, Hauts reliefs, Travaux situés » démultiplie à profusion à la fois l’image d’expérimentations ponctuelles et le process général de l’œuvre, au point d’étayer l’impression d’une manière de « sprezzatura»⁴ dans l’esprit de l’artiste.

       Que retenir de « Plis contre plan, Hauts reliefs, Travaux situés » œuvres et Œuvre en soi simultanément « in situ située » ? Des tableaux sont en même temps répartis et instaurés comme des œuvres in progress dans les divers espaces de la galerie. Les assemblages modulaires de glaces/miroirs carrés disposés et étendus en carrés qui les constituent forment des compositions autonomes et réactives, de sorte qu’ils se diffusent et se fondent comme environnement : chaque relief pyramidal, en se reflétant dans le tableau ou dans son propre support miroir, provoque sa dispersion, son éclatement et, à certains égards, sa dématérialisation. Tout s’entremêle et se complète simultanément ou bien rien ne s’assemble rationnellement pour initier une vue unique.      On se perd en conjecture en même temps qu’on comprend que l’artiste se réjouit, paradoxalement, d’échouer peut-être à tout contrôler de la nature processuelle de son travail.

1–« Plis contre plan, Hauts reliefs, Travaux situés », « in situ située » etc. sont des expressions de Buren, Vidéo. Archives Kamel Mennour, Paris, 2021. 2– Stéphane Mallarmé, « Jamais un coup de dès n’abolira le hasard » Gallimard. 3– Buren ibid. 4–Néologisme italien propre au manièrisme. En esthétique, le terme sert à désigner une "nonchalance" feinte, une sorte de négligé chic où la maîtrise se voile ironiquement d’une part de désinvolture. 

Tadashi Kawamata, galerie Kamel Mennour, rue Saint-André des arts.

      Les installations in-situ de Kawamata sont connues pour leur caractère à la fois étrange et spectaculaire. Chacune de ses propositions plastiques suscite de l’intérêt par son engagement créatif et une vision disruptive de la sculpture. Sa nouvelle proposition pour la galerie Mennour n’est en ce sens pas moins ambitieuse. A ce détail près que cette fois, l’effet théâtral de greffon du geste sculptural qu’il installe et scénarise dans l’espace de la galerie manque un peu son coup en étant, me semble–t-il, globalement moins imaginaire ou sublime qu’à l’accoutumée. 

       Que se passe t-il donc pour que le lieu paraisse à ce point davantage rempli que bouleversé et esthétiquement retourné ? L’artiste s’est d’abord évertué à accumuler et entasser de vieux meubles glanés chez Emmaüs dans les divers espaces de la galerie. Une fois établi chaque arrangement, il a partiellement recouvert les volumes obtenus d’amas désordonnés de planches de bois blanc selon son style bien marqué. Il faut le reconnaître, chaque composition est spectaculaire par son volume et la silhouette qu’elle dessine : c’est aussi étrange que baroque. Mais, contre toutes surprises, c’est aussi un peu attendu et esthétiquement limité.

      Contrairement à son concept de sculpture greffée comme un essaim peut « parasiter », prolonger ou occuper un endroit de manière inattendue en l’esthétisant « accidentellement » par son incongruité imaginative, les sculptures, sans autre volume qu’elles-mêmes et comme seulement encadrées par les planches ajoutées, apparaissent ici comme des productions d’in situ passives. Et, alors qu’on regarde chaque proposition dans son entièreté, on a réellement l’impression, parfois, que ça fonctionne uniquement comme deux objets distincts, que les accumulations de meubles n’ont pas besoin des planches qui les entourent ou les coffrent de façon superficielle. (Un sommet d’improbabilité est atteint avec un assemblage bricolé d’un petit tabouret et d’une planche pauvrement accrochée sur un mur).

        Partant, j’éprouve une défiance sensible lorsque l’artiste défie l’entendement et atténue l’effet de son travail de suggestion et d’expression quand il indique « Lorsque je choisis de remplir activement un espace, le geste et son intention ne sont perceptibles que lorsque l’ensemble est réalisé. Il s’agit de faire l’expérience d’un espace, de donner à comprendre une relation… » Cette exposition particulière montre que ni le geste ni l’intention ne s’activent ensemble poïétiquement.¹

1­– Tadashi Kawamata cité en préambule à l’entrée de la galerie

Tadashi Kawamata, installation sur la façade de l’immeuble Liaigre, rue du Faubourg Saint-Honoré et expo galerieKamel Mennour, rue Matignon.

       L’installation intrépide en forme de happening d’un « essaim de chaises » en haut de la façade de l’immeuble Liaigre permet d’estomper l’intérêt mesuré des dispositifs in situ de la rue Saint André des arts. Kawamata semble à cette occasion avoir à la fois retrouvé son sens du spectaculaire et de la surprise esthétique. Les chaises agglutinées interpellent aussi étrangement comme objet bizarrement dépossédés de leur fait que comme métaphores d’un nid. En rappelant l’Arc de Triomphe empaqueté par Christo, l’œuvre confusément saisissante, surprenante et somptueuse par son effet de transformation esthétique d’un site emporte l’adhésion et questionne dynamiquement l’objet créatif d’un dispositif plastique.

       Dans la galerie quasi attenante de la rue Matignon, l’artiste reprend son thème de la cabane. Cette fois, l’idée est d’organiser ou d’illustrer in situ une sorte de forêt ou de petit bois où des arbres en partie fictifs servent de supports pour des « cabanes ». L’artiste use du geste et de la manière artistique qu’il connaît pour percher ses « logis » dans les branches sans concevoir de projet artistique nouveau. On voit qu’il s’agit d’objets commerciaux, l’habitude pratiquée rue du Pont de Lodi se referme en boucle…

Bernard Réquichot se fait à nouveau remarquer chez Christophe Gaillard

         Pas simple d’évoquer la beauté et l’intelligence d’un art aussi autonome et signé que celui de Bernard Réquichot. L’exposition regroupe une partie de la collection de Daniel Cordier, soutien et collectionneur heureusement avisé de l’artiste. Et c’est encore et comme chaque fois une vraie émotion de revoir l’invraisemblable créativité plastique et visuelle dont il était capable, reconsidérant à la fois son imagination, l’imaginant même jusqu’à la concevoir et la parcourir d’humour factuel autant que d’inquiétude temporelle. Il y a les dessins de boucles « écrites » d’un tracé de plume répétitif et nonchalant, les papiers dont l’espace largement laissé vierge accueille cependant des dispersions à l’esthétique mescalinienne, les écritures et correspondances volontairement aussi illisibles que truculentes. Peintre informel selon la définition de Michel Tapié¹, Réquichot a aussi produit des œuvres qui interrogent sur le contenu du vide que l’imaginaire en toute hypothèse suggére avec l’absence de repaires dans un monde capable d’advenir en se créant en acte. Qu’il soit graphique ou pictural et selon les cas destiné à un volume, ou qu’il se déploie dans tous les sens sur un plan, le geste artistique de Réquichot développe simultanément des techniques classiques et des improvisations « enfantines ». Partant, ses emportements sensibles débordent d’ironie esthétique et d’impertinences plastiques heureuses ; on ne sait s’il faut s’amuser (voir se gausser) avec lui des aventures possibles de l’art ou s’arrimer avec un sarcasme poreux à sa défaite en train de se hasarder à survenir ou jubiler sa refondation avec la foi d’un regardeur imprévisible.

1 « Un Art Autre, où il s'agit de nouveaux dévidages du réel », Michel Tapié, 1952

Lionel Sabatté, Poussière des cîmes…et des forêts chez Ceysson et Benetière

Des paysages de forêts denses, traversées de brouillard et de trous d’ombre où la nature se teinte de transcendance… On connaît la technique d’expression visuelle du peintre dont les recherches plastiques s’activent sur l’esthétique mémorielle et métaphysique de la poussière et des dépôts, résidus etc. Il les recueille pour les déposer en tas ou les éparpiller dans des visions ou des sculptures toujours oniriques. Dans cette nouvelle exposition placée sur le thème « Poussière des cîmes », les tableaux conçus comme des panoramiques ou séquencés comme des regards par phases montrent des arbres filtrant des troncs en fatras, futaies et feuillages. Des effets de lumières se déploient en effets de clairières et d’espaces intermédiaires, les images s’environnent d’effets de théâtre où le rêve se justifie de lui-même.

L’expression visuelle de Lionel Sabatté se retrouve dans les esthétiques entremêlées des écritures automatiques scénarisées par André Masson en 1924, à travers l’outil technique/plastique du photogramme et les « empreintes de vent » imaginées par Yves Klein. On suit sans difficulté l’avancement de son travail de mise en forme. Les dimensions temporelles qu’évoquent les dépôts de poussière ou autres relancées par l’artiste chapitrent en ce sens les mouvements d’instauration de son travail in process. La beauté et le succès esthétique de ses œuvres ne s’y limitent cependant pas en suggérant des vues d’esprit plus environnementales que focalisées sur la surface de leur subjectile. Les manières qu’a Lionel Sabatté de chercher la somptuosité des effets d’espaces et de supposer des plans successifs subliment la fragilité intentionnelle du dépôt, de la trace et de la mémoire pour rejoindre plastiquement, de tableau en tableau, des contes visuels. 

Andres Serrano, pour le coup plus peintre que photographe

Première exposition de « vraies » peintures de Serrano. Bravant les aspects plastiques de sa production habituellement photographique, Serrano peint seulement… sur des photographies représentant des sculptures mythiques de personnages et de scènes religieuses. Intitulé « The doom of beauty » (Le destin de la beauté) le thème de l’exposition questionne les modèles iconiques dont l’artiste entend défier l’image par la peinture. Le « David » de Michel Ange ainsi que d’autres sculptures grecques et romaines sont ainsi symboliquement « prises à partie » et retravaillées par la peinture vs le geste spontané et la couleur véhémente d’une esthétique expressionniste qui ne ce cache pas d’en être.

Les œuvres sculptées déjà réduites à des vues en deux dimensions et reconsidérées par les moyens de l’image peinte affirment le choix de Serrano de dépasser leur contenu initial, voire de les « retoucher » métaphoriquement en puisant spontanément dans la forme murale du graffiti. Andres Serrano connaît l’histoire de l’art et il sait autant le poids symbolique que les résonnances métaphysiques de ses modèles de référence. Il y a du rituel dan son geste arbitraire et dans ses songes de réhabilitation du vivant contre l’éternité minérale des sculptures. On songe aux actionnistes viennois autant qu’à Arnulf Rainer, chaque vue hurle et prie en même temps. Littéralement confronté aux nouvelles représentations voire au tableau que l’artiste donne de leur célébrité artistique, chaque spectateur devra encaisser les œuvres comme on reçoit simultanément dans le plexus deux coups de poing stylistique et métaphysique.

En souillant et en griffant la chair supposée sanguinolente des corps de marbre avec des taches, en l’incisant et en y laissant dégouliner sa peinture rouge, Serrano fait à la fois gémir les corps et gueuler son geste pictural. La puissance plastique des œuvres tient en écho de ce que chacun préfèrera privilégier : le choc d’exposition créé par le graffiti peint que des images photographiques transgressées ou leur sujet initial symboliquement déplacé.

Jonathan Meeze dans ses légendes chez Templon.

Meeze s’inspire cette fois des contes et légendes. Leurs histoires à la fois joyeuses et contradictoirement dérangeantes font place à une peinture tonitruante et dans tous les sens du terme expressive où les emportements de matières picturales gouvernent de toutes les façons possibles, surtout de façon spectaculaire.

Car aussi grandes que soient les peintures et aussi expansive que paraît ou s’affiche la technique du peintre, rien ne brille d’une originalité artistique renouvelée. C’est gai, ça fuse, ça part dans toutes les directions, c’est à priori joyeux et organisé comme un vaste bazar de sensations, d’évocations et d’entendements au premier degré des contes, mais sans bouleverser le cadre traditionnel du tableau ou s’interroger sur le fait pictural voire sur l’apparence expressionniste. On ressort ravi d’avoir vu un spectacle tout à la fois performatif, exubérant, tonique et coloré, mais aussi daté, classé et dépassé depuis des lustres.

Robin Kid ; « Kingdom of Ends » (Royaume des fins), Galerie Templon rue du Grenier Saint-Lazare.

Tous les poncifs de l’hyperréalisme et de la brillance technique (parfois jusqu’au trompe l’œil), de la story d’apparence artistique, de l’assemblage d’installation surjouée et du fabriqué clinquant sont réunis dans cette production laborieuse aux allures de combinaisons d’icônes et d’écussons puérils de la société américaine. Y dénonce t-on quoi que ce soit ou au contraire, y fait-on l’éloge de quelque symboles ? Les œuvres « énormes » ne semblent tenir lieu que de paroles bruyantes. On ne (re)découvre plastiquement à peu près rien de qui a déjà été imaginé, étudié et conçu avec talent et sensibilité par Robert Rauschenberg. Entre autres !

Qiu Shihua, « Neiguan » (Vision intérieure) galerie Karsten Greve

L’exposition réunit des toiles produites entre 1995 et aujourd’hui. Qiu Shihua est un peintre chinois qui s’intéresse au genre du paysage. On informe que le peintre s’inspire de l’art taoïste en évacuant le superflu et en se concentrant sur le processus créatif de « l’action par l’inaction » nous informe t-on ! lci, l’art du paysage est traduit par des visions symboliquement saturées de lumières où les formes se dissolvent dans un blanc général jusqu’aux limites du perceptible à travers des images quasi monochromes. C’est imposant, très beau et éminemment poétique, mais sans risquer une technique picturale originale ou novatrice. On indique aussi que l’artiste s’est épris des certaines recherches impressionnistes. Ça se voit comme un Monet en filigrane.

Monique Frydman dans Sa peinture, chez Dukto quai Voltaire

Monique Frydman annonce peindre « L’autre Rive ». En 2019, c’étaient Les Rives, L’Orée ou Les Aubes. On devine que le paysage et la nature, comme le mouvement instaurateur de son travail en train occupent simultanément toute l’attention de l’artiste, au point de les associer et les fusionner dans des évocations plastiques d’apparences presque subliminales. Monique Frydman creuse et suggère du temps d’intégration picturale en assemblant, en juxtaposant, en superposant des apparitions variées et des aspects visuels par des taches de couleur à la fois harmonieuses et inattendues. Partout les espaces peints augmentés de reprises à la craie et au pastel semblent des champs d’art d’expression visuelle pure. Les zones et les échantillons colorés cessent vite d’être informes pour muer en compositions esthétiques où les matières entre effets de transparences ou de translucidités s’ouvrent à des recherches de rendus à travers lesquels la beauté picturale apparaît in fine exclusivement sensible.

André Marfaing, retour sur le passé d’une abstraction picturale, galerie Claude Bernard.

Il s’agit à la fois de « réhabiliter » le peintre, adepte comme Soulage du noir et blanc et de l’abstraction gestuelle et de lui rendre hommage. Même replacée dans son époque (il représenta la France avec Messagier, Poliakoff, Manessier et James Guitet, à la biennale de Venise en 1962), force est de dire qu’aujourd’hui les œuvres apparaissent effectivement datées et d’un style fondé sur l’effusion de la tripe artistique aujourd’hui singulièrement épuisé.

Laurence Weiner, « Après ici & là » chez Marian Goodman

        Reprise d’une installation en forme d’hommage à l’artiste décédé en 2021. Six téléviseurs présentés en miroir d iffusent des entretiens de l’artiste avec un public ou un critique d’art. Les films semblent défier le présent alors que chaque enregistrement est clairement daté. L’« Après ici & là » résonne dans un entre deux où le temps, se dilate en même temps que les moments des entretiens semblent se confronter.

      On conçoit sans difficulté l’agilité conceptuelle de l’artiste rompu aux usages du langage, qu’il soit parlé/capté, écrit et imprimé ou diffusé.  L‘engagement des mots comme matériau et comme objet d’« installations » est sans cesse mis en perspective esthétique par un travail artistique sur le code visuel du référent. L’aspect provocateur et finement ironique de l’Art Conceptuel et l’extrême intelligence d’un de ses plus intéressants plasticiens (sans oublier Joseph Kossuth, On Kawara, Bruce Nauman, Jenny Holzer, Robert Barry etc. ou toujours d’actualité, Tania Moureau…) résonne curieusement par rapport aux productions figuratives majoritairement narratives et illustratives dont le marché de l’art fait actuellement sa pitance principale.

Jules Linglin galerie C

          « Nul n’est remplaçable » ! Mot d’ordre ou seulement thématique d’exposition ? L’intitulé de l’exposi-tion fait place au risque d’un retournement d’impressions et de perspectives artistiques et esthétiques contraires… Jules Linglin peint des portraits grandeur nature sur toile ou dans une approche imprimée de monotype. C’est techniquement brillant, d’une efficacité artistique indiscutablement estimable. Du point de vue de l’expression, une relative intimité traverse les tableaux du fait des face–à–face et des distances réduites avec les modèles. Aucun rapport technique ou artistique avec l’imagination plastique des portraits peints par Rembrandt, Monet, Cézanne, Giacometti, Francis Bacon, Picasso ou David Hockney (et quelques autres pourtant nombreux) : tous irremplaçables.

Milène Sanchez en mode « vision rapide, vision appuyée » chez Claire Gastaud.

          Il est question de peintures de fleurs et de natures mortes, de leurs aperçus passagers, diffus ou confus. Il est question d’attention et de mémoire visuelle, de traces et de dispersions, d’emportements gestuels et d’instantanés photographiques, d’apparences et d’images pas convenues… Il est question de tableaux figuratifs sans être descriptifs, d’un geste pictural aussi technique que largement imaginaire. Il est question de visions captées où débordant les surfaces des tableaux simplement peints d’intuitions colorées que de sagacités formelles. Il est encore question d’éblouissement et de confusion esthétique, de recherches plastiques à travers lesquelles « l’artiste jouant avec les flous et les nets tente de capter leurs mouvements et la lumière…qui les rend (picturalement) vivants » ; le propos initial annoncé : «Vision rapide, vision appuyée » induit aussi de comprendre conceptuellement le travail de l’artiste. On conclut qu’une démarche réflexive aussi solide que fructueuse sur les fonds d’apparences de la peinture et de ses tableaux instille par ricochet de probables et autres prolongements plastiques à cette recherche inattendue.

Hreinn Fridfinnsson tout en ironie Galerie Papillon

        Le ton est presque donné par la galerie annonçant « Une nouvelle exposition (de l’artiste) regroupant des œuvres de 1970 à aujourd’hui ». On est immédiatement attrapé par les sources d’inspiration historiquement conceptuelles des œuvres exposées. La nature des référents de tous ordres mais surtout esthétiques et les clins d’œil à des courants d’arts historiques spécifiques entrainent la présentation générale de l’exposition. On va donc devoir être sensible aux ressorts d’interprétation d’œuvres manifestement scénarisées pour justement briller par leur théâtralité autant qu’au moindre discours plastique sémantique destiné à « stabiliser » les images pour le spectateur. Ainsi cette photographie de paysage représentant l’artiste « inaugurant » le passage des années 1975/1976 par un saut au dessus d’un horizon fictif ; ou encore cette présentation murale en forme de ligne mélodique entremêlant des données réelles ou pseudo scientifiques sur la composition des couleurs, la réalité des ondes lumineuses et la musique ; ou encore cette installation in-situ dans laquelle l’artiste dispose à la dérobée dans la galerie une feuille d’arbre pour qu’elle se reflète « à l’infini » entre deux miroirs placés en coin sur deux plinthes en bas d’un mur. Incidemment, le sol comme la tombée du mur se dématérialise, le périmètre de la galerie se creuse en incluant l’espace au-delà du mur, le temps émarge dans l’espace du lieu… L’ironie touche à son comble avec le dispositif quasi suprématiste d’une composition murale en léger relief articulant la dispersion orthogonale d’un carré, d’un trait et d’un cercle supposés. Une main tenant un rond présente dans le cercle un pseudo œil qui brise l’ensemble du dispositif plat en incluant dans son espace le regard d’un spectateur fictif… Chaque œuvre vs chaque dispositif d’œuvre déroute pareillement en étant totalement bizarre, de sorte que c’est bien le caractère normalement dérangeant du rôle de l’artiste et le degré malicieux de ses inventions plastiques et artistiques qui étonnent.

         Sans jamais être littéraire ou littéral et en restant aussi cultivé que discrètement disruptif quant à sa place d’artiste, Hreinn Fridfinnsson, historiquement mêlé depuis 1965 avec l’avant garde islandaise dont il a été un des animateurs, poursuit ses manières de parler sérieusement de tout et de rien en réinventant les formes de sa créativité avec autant de talent que de poésie suspendue.

« Je suis contre » par « Art orienté Objet » (vs Marion Laval-Jeantet et Benoit Mangin) à la galerie Les filles du Calvaire.

           Bien malin qui saura évoquer l’intérêt technique, plastique et créatif de ces productions que leur nature de choses fabriquées en forme d’objets curieux justifie artistiquement. Je me demande contre quoi s’opposent ces trucs allusivement représentatifs mais qui répètent peu ou prou des créations qu’ils n’ont pas inventées et dont leurs auteurs tentent de nous convaincre en arguant de leur imagination. Plus largement, le paradigme « art orienté objet » a été engagé, défendu avec brio à travers d’autres ambitions et d’autres talents, par exemple, les arts décoratifs (voir le MAD rue de Rivoli), les arts premiers et les arts dit « naïfs » (Bruts, selon Dubuffet), ou par Dada et Marcel Duchamp etc. (Centre Pompidou)…

Le « Sunburn » (Coup de soleil) de Laurent Proux à la galerie Sémiose.

         Laurent Proux peint des scènes de genre aux échos mythologiques. Il s’appuie sur des effets de lumières aux échos caravagesques et une gamme restreinte de teintes, marquée par l’idée du feu. Sa technique un peu léchée aussi vaguement illustrative que confusément néo-classique entremêle des allusions à Picasso et à la statuaire… A la fin de son texte à lire dans le communiqué de la galerie, Anne Bonin, curatrice, suggère ceci : « Laurent Proux manie l’éclairage comme un metteur en scène construit un espace scénique précis, avec son action, son ambiance et ses personnages… » Et de conclure : Une activité peut en cacher une autre. » L’insatisfaction que dégagent ces peintures laborieusement peintes et d’une plasticité datée, tableaux dont la composition comme l’arrangement expressivement (voire expressément) scénaristique et décoratif prend l’ascendant sur l’intérêt pictural et justifie qu’on se sente en phase avec cet ailleurs…

Ninon Hivert, Le reste des autres, galerie Carole Lambert

      Imaginez l’instant où Ninon Hivert, ayant repéré un objet négligemment posé, voire paraissant abandonné, le photographie comme il est. Ce peut être un blouson, une paire de gants de chantier, un briquet ou une botte oubliés quelque part, un sac à dos déposé au sol… Munie de son document iconique, elle le reproduit en le sculptant à son échelle naturelle et en le peignant selon ses couleurs, le plus fidèlement possible. L’effet trompe l’œil est parfait, on se remémore sans nostalgie des productions hyperréalistes des années 80, sans pour autant les y réduire. On songe aussi que chaque sculpture vise un objet factuellement coupé de son environnement, mis à distance de son usage et comme miné par son fait esthétique, apparemment aussi dévitalisé que neutralisé vis à vis de son ancien propriétaire.

        Bornés à leur apparence formelle, les sculptures semblent être en même temps rien d’autre que des rêves de travail visuel à faire vivre pour un regardeur* saisi par leur étrangeté supranaturelle (et les associer à des Ready Made ne paraît pas déraisonnable). Ninon Hivert s’en mêle, s’entremêle avec leur nature de « trucs » laissés à l’aventure et devenus sources d’art de voir. En les reproduisant in extenso tout en les pensant hors du monde qu’ils représentent comme signes, Ninon Hivert dénote autant leurs référents analogiques qu’elle rend leurs effigies fossilisées spectaculairement gisantes et apparemment anhistoriques.

          « Le reste des autres » renvoie simultanément à des réalités amnésiques et rémanentes. On s’attache à leurs apparences autant qu’à leur virtualité. Les volumes dessinent la vie de leur insertion dans la lumière, les couleurs scandent des préférences esthétiques, leur état vulgaire creuse le sens d’humanités banales, leurs silhouettes d’objet et de modèle rappellent des portraits. Leurs échos à la fois communs et individuels dont Ninon Hivert rappelle les perspectives humaines font entendre la création artistique à l’aune des richesses de son inspiration.

* voir la définition du spectateur métaphysiquement défini comme regardeur par Marcel Duchamp

Jonier Marin, Portraits pas vraiment traits pour traits, chez Lara Vincy

        Que retenir de cet ensemble de portraits de personnalités plus ou moins célèbres aux allures de crayonnages délurés ? Jonier Marin s’est-il réellement amusé à faire semblant de dessiner « fa presto »* et donc d’ironiser avec l’analogie et la vraisemblance du croquis ou s’est-il contraint de faire passer la badinerie de son expression graphique pour une technique en même temps éprouvée ? On s’interroge en conséquence sur la perspective désinvolte du geste du dessin, on imagine un travail de remémoration à l’aveugle, un jeu de devinette sur les apparences… Gribouillée avec vigueur et avec une manière assumée d’approcher et rater ses modèles, l’innombrable répétition des « tronches » reprise en toute désinvolture à partir d’images d’archives, rapportées de vague mémoire ou comme « reconstituée à-la-va-vite » par Jonier Marin laisse le sentiment d’une recherche plastique et artistique mue par un objectif de quantité et détachée du sens de sa légèreté d’exécution. On songe de loin à Dubuffet, Picasso ou Artaud, puis on oublie que justement, dans leur Œuvre dessiné, l’art de feindre la spontanéité et le relâchement ou l’envie de gouter au temps des gestes créatifs insouciants va de pair avec la revendication d’un fond d’ignorance conceptuelle et esthétique plus épique et tragique que spectaculaire.

* Fa presto, « à toute vitesse ». La formule est employée dans un texte de présentation de l’exposition.

Giacometti, Annette en plus infiniment, à la fondation Giacometti

        Giacometti creuse l’effigie de sa femme. Comme d’habitude dans son œuvre, le sens du dessin ou de la sculpture sera approfondi jusqu’à donner au vrai une aura d’hallucination. L’exposition fonctionne comme un dossier, de multiples documents photographiques, des lettres et des griffonnages plus ou moins épistolaires accompagnent les représentations de l’épouse et indéfiniment modèle de l’artiste. L’exposition, magnifiquement scénarisée, met chaque fois en évidence le génie créatif à la fois technique et sensible d’Alberto Giacometti, capable de repenser l’essence son art comme on songe à peut-être le refonder en âme. Toujours inquiet quant au cadre de son « travail en train », les volumes comme les dessins ou les peintures font planer des perspectives métaphysiques.

        Ron Mueck est un artiste sculpteur figuratif de style hyperréaliste. Il aime la figure humaine (corps entier ou partiel, jeune ou âgée, nue ou habillée) ainsi que les animaux  domestiques ou d’élevage. Il s’applique à les reproduire rapetissés ou surdimensionnés, seuls ou en groupe et dans diverses situations en s’efforçant d’illustrer à chaque occasion un thème ou une circonstance particulière. On constate aussi que nonobstant ces éléments objectifs distincts, l’artiste apprécie de mettre ses œuvres en scène, en clignant de l’œil avec la statuaire (de préférence monumentale), le bas et le haut relief, voire l’image d’illustration et de temps à autres la photographie documentaire. Curieusement, par ses manières de transgresser les tailles naturelles de ses modèles dans ses sculptures, l’artiste parvient à faire oublier que chaque œuvre agit esthétiquement et en priorité comme un trompe l’œil.

      Après avoir été surdimensionnée ou réduite dans des tailles variables, tantôt minuscules, tantôt géantes, puis in fine après avoir été peinte d’une manière quasi exclusivement documentaire et photographique, chaque œuvre pose d’emblée la question de son apparence d’authenticité et questionne son mode d’expression visuelle. N’étaient-ce ces caractéristiques sans aucun doute prosaïques pour un artiste dessinateur, sculpteur ou peintre réaliste, les re/productions de Ron Mueck impressionnent par le travail strictement technique, qui leur a été utile. Alors qu’à cette aune, on songe possible de limiter son  projet à un exercice d’art appliqué et artisanal, l’importance que Ron Mueck donne par ailleurs à l’installation in situ de ses sculptures conduit à relativiser le paradoxe de leur hyper réalité tout autant que leur hyper visibilité. On est dès lors invité à considérer séparément les intentions de l’artiste et la réalité — devenue discutable —  des œuvres. Que donc regarder en dehors des imitations sculptées ?

       Porté par le mode de présentation des œuvres, un travail d’élaboration plus inattendu et moins « simiesque » semble guider les pas de Ron Mueck vers une forme d’ironie de l’impalpable du vrai. L’artiste attache une importance capitale à l’effet trompe l’œil et son cortège d’envies de confronter ou de vérifier si ce qui est exhibé est factice ou probant. Quelque chose de l’ordre de l’irreprésentable, à quoi s’ajoutent divers détails formellement un peu dystopiques par rapport au connu et une attention particulière à l’expression des gestes ou des mouvements, tout cela suppose des approches et des temps de réflexion à propos des écarts et de leurs échelles. Reste à discuter de la réalité de ce qui est montré : simulacre ou pastiche, on songe au duel pictural entre Xeuxis et de Parrhasios. Côté spectateur, on hésite entre parodie et imitation. Le piège se referme pour l’essentiel sur « l’hors jeu » des transgressions par la taille.

      L’envie d’imposer au spectateur des différences de tailles qui ne se cachent pas d’être spectaculaires, voire dérangeantes, et toutes choses par ailleurs égales « hors réalité » suggèrent d’autres objectifs à cet art jugé incontestable. L’effet trompe l’œil effaçant les preuves d’image, il faut paradoxalement supposer un fond autre, sans doute de nature expérimentale sinon théorique. On remarque que dans le fil des mises en valeurs étranges de son travail d’exécution, le travail iconique d’hyperréalité décode aussi une description visuelle certes habile, surtout naïve des modèles. Les reprises annoncées de styles artistiques classés comme la statuaire etc. annoncent une galerie d’images illustratives comparables aux définitions liminaires d’une encyclopédie. En utilisant des compositions fabriquées plus théâtrales que des dispositifs d’instaurations poîétiques, Ron Mueck use de la vue dite « d’artiste », principe connu des mises en situations fictives qui donnent du champ imaginaire à un projet (pré)encadré. On s’interroge incidemment sur la restitution détaillée des rendus, la démonstration artistique de leur scénarisation esthétique dans un site où l’imagination devrait à priori déborder. Les réalités de Ron Mueck ont t-elles pour objet une « nouvelle » piste intellectuelle pour la création artistique ? Cherche t-il à pallier l’impression d’un fond insuffisant de son art sculptural si particulier ? Aussi mimétique qu’elle semble depuis des années, sa production paraît murée dans sa forme exclusivement hyperréaliste, au point qu’on la songe en creux « monumentalement » appareillée à un fond de critique insipide.

       Peut-être faut-il revenir sur le modèle du style hyperréaliste pour se concentrer sur l’incon-gruité de présentations dont l’artiste revendique l’exactitude sous les flagrances du reproductif et de l’identique. Seuls des yeux avisés ou du moins des regards divergeants peuvent repérer des « anomalies » de formes, et conjointement d’images, dans les silhouettes sculptées et peintes à l’image de leur modèle ; et donc seuls des plasticiens accoutumés aux aléas des jeux d’expressions visuelles peuvent discerner entre les écarts de formes et d’aspects provoqués ou accidentels. Que peut-on donc encore remarquer de si anormal (ou de si étrange) que le réalisme des reliefs et des œuvres d’abord indiscutable change de vérité, et que la conformité des sculptures avec leur modèle tombe ? Une documentation montre l’artiste s’appliquant à esquisser la silhouette d’un chien gigantesque sur un papier étalé sur un mur. Un autre témoignage le montre modelant avec précision une figure humaine dans une posture particulière. L’extrait d’un film permet encore de le suivre en train d’étudier la disposition future vs la composition esthétique d’un ensemble… On remarque chaque fois l’artiste penché sur son geste du travail, digitalisant presque ses applications et progressant attentivement dans le dessin des sujets, leur composition et leur aspect visuel, les proportions des volumes et leur proximité avec le  « vrai »,  le miroir de son travail comparant le réel avec sa fiction. On peine à qualifier certaines apparences d’exagérations dans les sculptures, certaines déformations ou certaines transformations. D’allusives distorsions comme les allongements irréguliers du cou ou les différences de proportions des chiens représentés dans Three dogs (2023) interrogent. On est pareillement disposé à s’attarder sur les volumes à la fois réalistes et intrigants de « A girl » (2006), ou encore sur le changement d’échelle instillant du fantastique entre les personnages et l’animal dans « This little piggy (2023) ou dans Man in a boat (2002). Faute d’autres réponses que celles à la fois techniques et hasardeuses de choix esthétiques personnels ou d’une démarche répétitive et plus descriptive qu’imaginaire, on se  résout à voir l’artiste « élastiquant » arbitrairement dans tous les sens l’image de ses modèles plutôt que chercher à évoquer une pratique marquée par un imaginaire poïétique.

         Au lieu de bousculer un style hyperréaliste dont il use et se réclame, le travail à la fois daté et spectaculaire de Ron Moeck donne le sentiment de subir un mimétisme. L’authenticité foncière de son travail ne renouvelle ou ne rebondit pas sur l’effort conceptuel de la sculpture hyperréaliste des années 1970, notamment en Angleterre, et elle n’est pas non plus une nouvelle étrangeté expressive et artistique de la sculpture réaliste spécifique au 19^e siècle. Les œuvres semblent sans questionnement ni projet approfondi.

        Cette troisième exposition de l’artiste à la fondation Cartier rappelle à frais nouveaux un art aujourd’hui appauvri quant à l’étrangeté poïétique de la pure similitude en art. Le décalage de ses œuvres avec les productions sculpturales à la fois photoréalistes et hyperréalistes de John de Andréa ou de Duane Hanson, ou encore des peintres comme Jean-Olivier Hucleux ou Chuck Close dans les années 1970-1980, tout cela a des airs de redites laborieuses. La naïveté de ses sculptures et leurs scénarisations remarquables n’a pour intitulé que l’écart historique et l’oubli un peu trop visible de ses prédécesseurs.